lunes, 5 de julio de 2010

Fotografía de alimentos: la compresión de un estilo

Hace un tiempo atrás dábamos en este sitio un primer enfoque a este estilo fotográfico conocido como fotografía de alimentos; en esa oportunidad nos enfocamos en una serie de consejos introductorios a este género.

Hoy lo que deseamos entregarles es una breve lista con trucos para aprender a comprender nuestro objeto de estudio, en este caso: los alimentos.

Cuando hablamos de la comprensión del objeto de estudio u objeto a retratar inmediatamente pensamos en retratos o situaciones de la vida cotidiana, pero, ¿a qué desafío nos enfrentamos cuando el objeto a comprender es un alimento? O dicho en otras palabras, ¿cómo hacemos para comprender a un alimento?

Muy simple, en un principio debemos tener en claro que este, como todo estilo fotográfico, demanda de ciertas habilidades y actitudes diferentes a los de otra especialidad. Es una constante encontrar que aquellas personas que han escogido la fotografía de alimentos como su fuerte suelen ser más metódicas, estudiosas y pacientes a la hora de montar y modificar la escena que desean capturar.

Ahora bien, si todavía no tienes en claro de qué forma puedes comprender mejor a ese objeto, o serie de objetos que vas a fotografiar, no dejes de leer estas breves premisas.

1. Comprender cómo funcionan los alimentos

Si bien no necesitas ser un nutricionista ni un chef, es evidente que para realizar mejores fotografías de alimentos debes, al menos, disfrutar de ellos de alguna manera. Por supuesto te resultará mucho más fácil si eres una persona a la que le gusta cocinar o si eres un comensal de esos que se atreven a probar nuevos alimentos y se interesan por descubrir más sobre las diversas cocinas del mundo. También es importante tener un mínimo conocimiento a la hora de enfrentar a nuestros clientes, imaginate qué papel haría un fotógrafo que no puede diferenciar entre un alimento y otro. La mejor manera de comunicar la esencia de una comida es conociendo a ciencia cierta aquello que la hace especial.


2. Comprender cómo funcionan la luz y la composición

Esto por supuesto, se aplica a todas las fotografías, pero aún más en este tipo de trabajos. Lo bueno es que no necesitarás un cantidad de equipos caros para crear una iluminación óptima para tus fotos de alimentos. Lo que sí necesitarás es aprender a utilizar las herramientas que tienes disponibles para estas capturas. La mayoría de los fotógrafos de alimentos principiantes pueden defenderse excelentemente bien con la luz natural que proviene de una ventana, un buen trípode y algunas tarjetas refractarias.


3. Comprender la diferencia entre alimentos para consumo y alimentos para fotografías

En este punto tampoco debes confundirte y pretender más de lo necesario, no debes convertirte en un estilista de alimentos, pero sí necesitas aprender sobre los procesos y métodos que requieren los alimentos en su manipulación para una sesión fotográfica. La forma más simple, clara y eficaz de aprender esto es llevar encima tu cámara durante una semana y fotografiar todos los alimentos que consumas justo antes de comenzar a comer.


4. Comprender qué cosas generaran una respuesta emocional en tus espectadores

Presta atención a cómo reacciona la gente frente a una gran comida y descubrirás que hay un gran conjunto de respuestas emocionales y biológicas ante este tipo de escenas. Trasladar esos estímulos a tus trabajos fotográficos puede ser muy difícil ya que cuando estamos ante una mesa de alimentos podemos disfrutarlos con todos nuestros sentidos. El aroma de un alimento puede ser tan emocionante como el sabor mismo. Pero en la fotografía solo cuentas con la dimensión visual, por lo que deberás trabajar duro para lograr que esas señales visuales activen el resto de los sentidos. No dejes de lado ningún truco visual que tengas a tu alcance: enfoque selectivo, claroscuros, contrastes de colores, etc.

5. Comprender lo que otros han hecho antes que tú

Mira el trabajo de otros fotógrafos y artistas que hayan incursionado en este estilo fotográfico. Estudia sus trabajos y descubre que hay en ellos que despiertan tu interés. Una vez que descubras estos secretos utilízalos para mejorar tus propios trabajos.


La repetición de patrones en fotografía

Dentro de los múltiples estilos que hay en el arte fotográfico uno muy explotado pero también tremendamente incomprendido es el de la repetición de patrones; una temática para muchos un tanto aburrida, pero sin dudas muy rica y demandante de una gran dosis de creatividad por parte del fotógrafo.

Si bien vivimos rodeados de patrones, la mayor parte del tiempo los pasamos por alto debido a la rutina que consume nuestros días; no obstante cuando uno se propone entrar en este campo de la fotografía puede llegar a adquirir un excelente ojo para detectarlos y lograr imágenes sorprendentes.

En este estilo la mejor forma de definición es el ejemplo, por eso los invito a que hagamos un recorrido por las dos técnicas fundamentales para la captura de repeticiones fotográficas.

La repetición como tema único

Para esto lo ideal es llenar absolutamente toda la escena con un patrón repetitivo; entre los ejemplos más tradicionales de esta técnica encontraremos desde rostros en una multitud o ladrillos en una pared, hasta una línea formada por ruedas de bicicletas en el mismo ángulo.

Una vez que aprendemos a manejar esta técnica podremos dar una sensación de tamaño o de cantidad que en realidad existe en el momento de la captura pero que se logra perfectamente al llenar la escena con la reiteración de elementos. Como bien se puede observar en la foto del ejemplo, en la que puede haber cientos de coches o tan solo una decena de ellos.

Romper los patrones

Otra técnica muy efectiva es la de capturar la ruptura de un patrón repetitivo; por ejemplo, si capturamos cientos de pastillas rojas con una única pastilla blanca.

Muchas veces encontraremos este tipo de patrones rotos en forma natural, en cambio en otras oportunidades deberemos manipular la situación para lograr estas imágenes que tan buen resultado suelen dar.

Durante la experimentación para lograr estas rupturas no dejen de probar cómo resulta si incluimos un objeto contrastante, ya sea en color, forma o textura; o en la eliminación de uno de los objetos.

También deben tener en cuenta el punto focal en estas imágenes, ya que lo más lógico será que el punto de ruptura del patrón ocupe el lugar dominante en la escena.


Las noticias en fotos

Continuando con el tema de la fotografía documental, no podemos omitir el gran aporte que este estilo sigue significando en la información; sobre todo en estos tiempos en que la globalización nos ha acercado a pesar de las distancias y cada uno de nosotros puede ver y conocer lo que otros viven, disfrutan o padecen aún al otro lado del mundo.



Estilos fotográficos: la fotografía documental

Cuando hablamos de estilos fotográficos inevitablemente nos remitimos a aquellos que han dejado huella dentro de los mismos; ya que no hay mejor manera de entender que a través del ejemplo y del camino recorrido por nuestros antecesores.

En el caso de la fotografía documental esto se vuelve una realidad mucho mayor; no olvidemos que al hablar de este estilo nos estamos refiriendo al área de la fotografía en la que las imágenes se utilizan como documentos históricos, lo que inexorablemente nos lleva a recorrer la extensa galería que la historia, y aquellos que estuvieron para retratarla, nos han dejado como legado.

La fotografía documental, inicialmente fue concebida como una forma de incitar a cambios políticos y sociales ante los que se protestaba mostrando la verdadera naturaleza de los hechos; en ese momento se la separaba completamente de otros estilos fotográficos a los que se los reconocía como fuente de placer estético y artístico.

Para decirlo más simple, esta escuela fotográfica fue creada con el fin de utilizar las imágenes como pruebas documentales de una situación histórica particular.

Ejemplo de ello son Lewis Hine y James Van DerZee, dos pioneros de este estilo fotográfico.

Durante mucho tiempo los estudiosos de la fotografía documental la consideraron el extremo opuesto de la fotografía artística, pero entonces apareció Paul Strand y, con su estilo vanguardista, se atrevió a mezclar estas dos escuelas demostrando que todo es posible en el arte fotográfico.


Si bien es cierto que aún hoy existe la marcada tendencia de encasillar a la fotografía documental en un tipo de imágenes chocantes, grotescas e intensas; todo esto con la clara intención de probar una teoría y evocar emociones en el espectador; ejemplo de ello son las fotos documentales que aparecen en periódicos y revistas.

Este estilo ha logrado a través de todos los tiempos mostrar al mundo la verdad al desnudo de la realidad cultural, política y económica de nuestra sociedad; y en esto merece un apartado especial el importante papel que desempeñó la fotografía documental en la concientización de los Estados Unidos durante la Gran Depresión de los años 30, cuando los fotógrafos documentaron la pobreza generalizada que asolaba esas tierras.


Fotógrafa: Rosario Galacho

La fotografía es mi vida y disfruto viendo como mi trabajo mejora y todo el que quiera puede contemplarlo conmigo.
Rosario Galacho - Diseñadora gráfica y fotógrafa

Conocer fotógrafos talentosos es, además de una inmensa alegría, una verdadera fuente de inspiración para nosotros, los que intentamos hacernos día a día en este arte.

Hoy quiero presentarles a una joven fotógrafa que humildemente se declara aficionada a la fotografía, pero que nos ha dejado boquiabiertos con sus fantásticos retratos y la atmósfera tan única y particular que le imprime a sus trabajos.

Rosario es una diseñadora gráfica nacida en Málaga que confiesa un precoz interés por el arte en general hasta que finalmente, y tras otros estudios en el camino, se decidió por el diseño. Su trabajo actual está enfocado específicamente en el diseño de arquitectura efímera en 3D, pero todo su tiempo libre es invertido en su verdadera pasión: la fotografía.


Efecto Luz y Contraste con Photoshop

Este efecto tan llamativo y utilizado por muchos en esta época, se trata del conocido efecto HighLight.

En el inmenso mundo del PS luego dependerá de cada uno de nosotros y de la imagen en cuestión para obtener más y mejores resultados.

Pasos:

1- Abre tu imagen y conviértela en un Objeto Inteligente para preservar el original, para esto haz click con el botón derecho sobre el nombre de la imagen y escoge “Convertir en Objeto inteligente” o Smart Object.

2-
A continuación modificaremos las sombras de la imagen.

3- En este paso crearemos una Nueva capa de ajuste y escogeremos que esta sea Blanco y Negro.

4- Regresamos a la capa de imagen convertida en objeto inteligente y la duplicamos utilizando el atajo de teclado CTRL +J.

5- Finalmente recurriremos a otro truquito para realzar nuestra imagen principal: creamos una nueva capa encima de toda la pila de capas que tenemos y con la herramienta degradado en opción radial trazamos una línea desde el centro de la imagen principal hasta la parte superior de la fotografía.



Prohibido el cante - Flamenco y Fotografía


El mundo del flamenco y todo lo que él transmite, y ha transmitido a lo largo del tiempo siempre ha tenido una especial fascinación para un gran número de fotógrafos; desde el misterio en el que se lo envolvió por años al condenarlo a la marginalidad por su origen en un ámbito económicamente empobrecido, hasta su vertiginoso transcurrir cultural que lo llevara casi un siglo después a instalarse en los más altos lugares del mundo del espectáculo y la moda actual.

En todo este inmenso devenir artístico siempre estuvo presente la fotografía, ya sea desde el propio seno del flamenco registrando cómo las enseñanzas eran transmitidas de generación en generación o bien desde el otro lado de la escena registrando el inconmensurable impacto que sus figuras alcanzaron pública y mediáticamente.

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