lunes, 5 de julio de 2010

El arte de la composición fotográfica

Estilos fotográficos hay muchos, y cada quién tiene la absoluta libertad de escoger el que más le agrade, pero si algo no podemos dejar de reconocer es cuando detrás de una imagen hay un concepto, una composición; algo que solamente logran aquellos que poseen un talento especial que los convierte en verdaderos artistas de la fotografía.

Uno de esos casos es Chema Madoz y sus fotografías con ese toque tan particular que las vuelve, practicamente, ilusiones ópticas.

Muchas de las fotografías de Madoz, por no decir la gran mayoría; tienen un juego compositivo tan espectacular y talentoso que es inevitable el disfrute de las mismas.

Lejos de que estos trabajos de composición sean o no nuestro estilo favorito, no creo que haya quien pueda permanecer indiferente a ellos; más bien estoy convencida que sus imágenes son una fuente de inspiración constante y absolutamente renovada para cientos de fotógrafos del mundo entero.


Fotógrafo: Felipe Caparrós

Felipe Caparrós, un hombre de una amabilidad minuciosa, de esas personas que están al pendiente de cada detalle para que todo salga bien y para hacer sentir bien a la otra persona; características que sin lugar a dudas pueden encontrarse en sus imágenes, ya que posee un talento especial para la captura de momentos únicos, llenos de expresividad y respeto por aquello que está retratando, y con un punto de vista sumamente diferente al que pudiera encontrar cualquier mortal.

Felipe Caparrós, un fotógrafo profesional que trabaja en un centro de investigación y que ha trabajado en las más diversas ramas del arte de la imagen y el sonido, temáticas sobre las que ha realizado sus estudios y que le han permitido trabajar en televisión, ya sea para productoras de Madrid como de Jaén, realizando una variedad de documentales que según él mismo confiesa, le han servido de aprendizaje e inspiración para su trabajo como fotógrafo.


Doodle Frame, un marco para garabatos reciclables

Faltan unas pocas horas para el Día de San Valentín y probablemente haya todavía algunas personas que se debaten en su interior sobre qué regalo hacer a su ser amado, sin caer en la rutinaria postal de corazones, el ramo de rosas o la caja de bombones.

Si lo que deseas es mostrar tu amor a través de tu arte y un toque sumamente especial de creatividad, no tengo la menor duda que este Doodle Frame, o Marco para garabatear, es el mejor obsequio que puedes hacerle.

Doodle Frame, te permite colocarlo en forma horizontal, vertical o incluso colgarlo de tus paredes; y en cualquier sitio de la casa lucirá espléndido.

La idea para este Día de los Enamorados es que adquieras un Doodle Frame, coloques el mejor retrato que hayas realizado de la persona que amas y realices la decoración que mejor demuestre lo que hay en tu corazón; obviamente puedes correr el riesgo de ser un poco cursi, alocado o ingenuo, total en pocos días podrán cambiar la decoración por una nueva con solo pasar la hoja.


Fotógrafo: Miguel Ángel Maldonado

Miguel Ángel Maldonado, un hombre apasionado y curioso por excelencia, de esos inquietos que aprovechan todo momento y lugar para captar el momento especial de una escena y perpetuarla en el tiempo a través de su cámara fotográfica.

Si bien Miguel Ángel trabaja en la industria química, su sueño no deja de ser que su verdadera profesión y sustento estuvieran basados en la fotografía, ya que se dedica a ella con total dedicación desde hace muchos años.

La obra de Miguel Ángel se destaca por su buen ojo a la hora de descubrir ese momento único, el instante irrepetible, la magia de saber captar la emoción en circunstancias que otros quizás ni siquiera verían.


Concurso fotográfico y calendario de la Plataforma Ciudadana

Los concursos fotográficos han existido toda la vida, los motivos por los que se realizan son de lo más variados, desde cuestiones promocionales, búsquedas de nuevos talentos, convocatorias de organismos sociales hasta emprendimientos encarados por las grandes marcas; todo es válido a la hora de convocar y premiar a los artistas de la fotografía.

Pero qué importancia tan trascendental puede adquirir un simple concurso cuando detrás de él hay un motivo de preservación de un patrimonio natural que el hombre intenta destruir.

Este es el caso del concurso fotográfico convocado en diciembre del año pasado por la Plataforma Ciudadana, a través del cuál se buscaba denunciar, y finalmente evitar, la construcción de una presa de laminación en Los Cañones del río Eliche. Presa que, sin dudas, constituye un grave atentado contra el patrimonio cultural y natural de Los Cañones, además de tener serias consecuencias contaminantes.


Muestra de Fotografía Humanitaria en Zaragoza

La ONG Médicos del Mundo y la Fundación CAI-ASC organizó este año, una vez más, el concurso Fotografía Humanitaria “Luis Valtueña” en su XII edición; esta vez auspiciado por el ayuntamiento de Zaragoza.

El éxito de la convocatoria ha sido arrollador, ya que se han presentado un total de 281 fotógrafos de 43 países distintos; para finalmente alzarse con el anhelado premio el irlandés Andrew McConnell, con su serie “Crisis en Congo”, en la que mostraba la realidad que viven hoy en día las familias que han sido expulsadas a causa del conflicto armado que se vive en ese país.

El Premio Fotografía Humanitaria “Luis Valtueña” es ya un ícono de la fotografía social, gracias a su objetivo de llevar al mundo la realidad de otros que viven aplazados y en duros conflictos, y por los que todos deberíamos hacer algo como sociedad y como seres humanos.

El nombre de este Premio es un homenaje al desaparecido fotógrafo Luis Valtueña, quién fuera asesinado en Ruanda en el año 1997 mientras cumplía con sus labores de reportero gráfico de la Agencia Cover.


Los primeros ganadores de los Retos DPReview

“Rain, Rain, Go Away” de Banj



“Terminator” de Abhinav

“The Photographer” de Apathy is Deadly

“Wrapped up & Yummy” de Freddy

“Another green world” de nuclearjazz


Consejos básicos para realizar fotografías aéreas

Tipos de fotografías aéreas
:

Verticales: para su realización requieren de sofisticados equipos que se dirigen perpendicularmente hacia el terreno para realizar las tomas paralelas al terreno. Estas fotografías son las utilizadas para cartografía y otros estudios fotogamétricos.

Oblícuas: para realizar este tipo de imágenes tenemos una mayor libertad de ejecución e interpretación; aunque de todas formas hay que preveer y tomar bien en cuenta ciertos conceptos básicos.


Falleció la fotógrafa Helen Levitt

Helen Levitt, fue una entrañable maestra en el arte de fotografiar lo que sucede en las calles, una mujer incansable y con un envidiable sentido de la estética; esa estética que solo algunos pocos privilegiados saben descubrir y revelar al mundo a través de lo más cotidiano: la realidad.

Esta mujer, neoyorquina de nacimiento y de alma, que fuera una de las más grandes fotógrafas del siglo pasado y cuya obra seguirá siendo materia de estudio e inspiración para las generaciones venideras, falleció ayer en su casa de Manhattan.


Photowalking: La fotografía como medio de socialización

Siempre se ha pensado que la fotografía era una especie de hobby solitario. Tan sólo era necesario una cámara de fotos para dar rienda suelta a la imaginación o esperar ese “momento decisivo” del que tanto hablaba Cartier- Bresson.

Pero en la actualidad la cosa cambia y la fotografía se convierte en un medio más de socialización.

¿Cómo es posible? A través del photowalking o fotopaseo, lo que es sinónimo de un grupo de personas que pasean por una ruta predeterminada, al tiempo que hacen fotografías de lo que van encontrando por el camino.

¿Cuál es la finalidad? Además de conocer a gente que comparte la misma afición, intentar capturar con la cámara aquello que se le escapa al peatón; sacar de la rutina, de lo obvio y habitual lo sorprendente. También es una forma de hacer ejercicio, ya que en ocasiones se recorren largas distancias.

Una vez que termina el paseo, se ponen en común las imágenes tomadas para comparar las distintas visiones creativas de la misma realidad. Otras veces se publican las fotografías en determinadas páginas, acompañadas de comentarios explicativos sobre su realización que ayudan a mejorar la futura toma de imágenes.

Internet se convierte una vez más en el mejor medio para organizar estas quedadas. Se fija una zona e incluso se publican mapas con la ruta fotográfica que se llevará a cabo.


"Las Musas de las Aguas" exposición fotográfica virtual

Hay diversas formas de exponer nuestro arte, con el surgimiento de Internet y la masificación de las redes sociales y el alcance mundial de los diferentes sitios Webs que en ella se encuentran los artistas encontraron un nuevo espacio donde mostrar sus trabajos.

De esta forma surgen sitios como fotoAleph, una especie de fototeca o biblioteca de imágenes en la que se recopilan, archivan y gestionan todo tipo de imágenes artísticas, ya sea fotografías como pinturas, grabados e ilustraciones.

Es en este sitio tan particular donde el fotógrafo Ángel Luis Mayoral Castillo, bajo el seudónimo de Brandan, se encuentra exponiendo su segunda muestra fotográfica; "Las Musas de las Aguas".


Panning, una técnica con mucho movimiento

Lo cierto es que el panning, también conocido como barrido, es eso, una técnica fotográfica a través de la cuál captas un sujeto en movimiento siguiéndolo con tu cámara, de esta forma el objeto a fotografiar parece estar estático en tanto que la zona que lo rodea es la que brinda la sensación de movimiento.

Si en cambio realizáramos la misma captura pero en lugar de realizar el paneo al sujeto en movimiento la hiciéramos en forma fija, éste sería el que nos daría el concepto de movimiento en tanto que su entorno aparecería nítido y detenido en el tiempo y el espacio.

Para un buen panning o barrido es fundamental tomarle el punto exacto a la técnica, esto significa: aprender a seguir el movimiento del sujeto a retratar haciendo, además, que la velocidad y la dirección de éste y nuestra cámara coincidan lo más perfectamente posible. Yo sé que suena complicado pero créanme que todo es cuestión de práctica.


Marca de agua con Photoshop

Photoshop nos ayudan a realizar creaciones y modificaciones a sus imágenes favoritas.

Un poco para divertirnos, otro poco para mejorar algunos detalles, y porqué no, para jugar con nuestra propia creatividad; el PS siempre está ahí al alcance de nuestra mano y con una variedad tan increíble de funciones y herramientas que difícilmente lleguemos a conocerlas profundamente a todas.


Venta de fotos geolocalizadas

Esta aplicación y sus servicios son el centro de todas las miradas, desde el mercado de las cámaras fotográficas hasta los sitios web relacionados con las imágenes están prestando especial atención a las ventajas que la geolocalización puede brindarles.

Si bien en un principio muchos pensaron que la geolocalización sería una estrella del hardware, ahora estamos viendo como avanza cada vez más en el software; y lo que es más importante: aquello que soñábamos hace poco tiempo para un futuro lejano ya se encuentra entre nosotros.

Yendo específicamente a lo que nos atañe, la fotografía, ya hemos visto cómo algunas compañías han agregado esta aplicación a sus cámaras permitiendo añadir la información de la posición desde la que se ha realizado cada toma, o el surgimiento del Sony GPS-CS3KA para agregar esta información en un paso posterior.

Ahora bien, una vez que estas cosas están al alcance de nuestras manos comenzamos a ver qué tan útil pueden significar para nosotros y los sitios que frecuentamos o solemos subir nuestras fotografías.

Fotografía de alimentos: la compresión de un estilo

Hace un tiempo atrás dábamos en este sitio un primer enfoque a este estilo fotográfico conocido como fotografía de alimentos; en esa oportunidad nos enfocamos en una serie de consejos introductorios a este género.

Hoy lo que deseamos entregarles es una breve lista con trucos para aprender a comprender nuestro objeto de estudio, en este caso: los alimentos.

Cuando hablamos de la comprensión del objeto de estudio u objeto a retratar inmediatamente pensamos en retratos o situaciones de la vida cotidiana, pero, ¿a qué desafío nos enfrentamos cuando el objeto a comprender es un alimento? O dicho en otras palabras, ¿cómo hacemos para comprender a un alimento?

Muy simple, en un principio debemos tener en claro que este, como todo estilo fotográfico, demanda de ciertas habilidades y actitudes diferentes a los de otra especialidad. Es una constante encontrar que aquellas personas que han escogido la fotografía de alimentos como su fuerte suelen ser más metódicas, estudiosas y pacientes a la hora de montar y modificar la escena que desean capturar.

Ahora bien, si todavía no tienes en claro de qué forma puedes comprender mejor a ese objeto, o serie de objetos que vas a fotografiar, no dejes de leer estas breves premisas.

1. Comprender cómo funcionan los alimentos

Si bien no necesitas ser un nutricionista ni un chef, es evidente que para realizar mejores fotografías de alimentos debes, al menos, disfrutar de ellos de alguna manera. Por supuesto te resultará mucho más fácil si eres una persona a la que le gusta cocinar o si eres un comensal de esos que se atreven a probar nuevos alimentos y se interesan por descubrir más sobre las diversas cocinas del mundo. También es importante tener un mínimo conocimiento a la hora de enfrentar a nuestros clientes, imaginate qué papel haría un fotógrafo que no puede diferenciar entre un alimento y otro. La mejor manera de comunicar la esencia de una comida es conociendo a ciencia cierta aquello que la hace especial.


2. Comprender cómo funcionan la luz y la composición

Esto por supuesto, se aplica a todas las fotografías, pero aún más en este tipo de trabajos. Lo bueno es que no necesitarás un cantidad de equipos caros para crear una iluminación óptima para tus fotos de alimentos. Lo que sí necesitarás es aprender a utilizar las herramientas que tienes disponibles para estas capturas. La mayoría de los fotógrafos de alimentos principiantes pueden defenderse excelentemente bien con la luz natural que proviene de una ventana, un buen trípode y algunas tarjetas refractarias.


3. Comprender la diferencia entre alimentos para consumo y alimentos para fotografías

En este punto tampoco debes confundirte y pretender más de lo necesario, no debes convertirte en un estilista de alimentos, pero sí necesitas aprender sobre los procesos y métodos que requieren los alimentos en su manipulación para una sesión fotográfica. La forma más simple, clara y eficaz de aprender esto es llevar encima tu cámara durante una semana y fotografiar todos los alimentos que consumas justo antes de comenzar a comer.


4. Comprender qué cosas generaran una respuesta emocional en tus espectadores

Presta atención a cómo reacciona la gente frente a una gran comida y descubrirás que hay un gran conjunto de respuestas emocionales y biológicas ante este tipo de escenas. Trasladar esos estímulos a tus trabajos fotográficos puede ser muy difícil ya que cuando estamos ante una mesa de alimentos podemos disfrutarlos con todos nuestros sentidos. El aroma de un alimento puede ser tan emocionante como el sabor mismo. Pero en la fotografía solo cuentas con la dimensión visual, por lo que deberás trabajar duro para lograr que esas señales visuales activen el resto de los sentidos. No dejes de lado ningún truco visual que tengas a tu alcance: enfoque selectivo, claroscuros, contrastes de colores, etc.

5. Comprender lo que otros han hecho antes que tú

Mira el trabajo de otros fotógrafos y artistas que hayan incursionado en este estilo fotográfico. Estudia sus trabajos y descubre que hay en ellos que despiertan tu interés. Una vez que descubras estos secretos utilízalos para mejorar tus propios trabajos.


La repetición de patrones en fotografía

Dentro de los múltiples estilos que hay en el arte fotográfico uno muy explotado pero también tremendamente incomprendido es el de la repetición de patrones; una temática para muchos un tanto aburrida, pero sin dudas muy rica y demandante de una gran dosis de creatividad por parte del fotógrafo.

Si bien vivimos rodeados de patrones, la mayor parte del tiempo los pasamos por alto debido a la rutina que consume nuestros días; no obstante cuando uno se propone entrar en este campo de la fotografía puede llegar a adquirir un excelente ojo para detectarlos y lograr imágenes sorprendentes.

En este estilo la mejor forma de definición es el ejemplo, por eso los invito a que hagamos un recorrido por las dos técnicas fundamentales para la captura de repeticiones fotográficas.

La repetición como tema único

Para esto lo ideal es llenar absolutamente toda la escena con un patrón repetitivo; entre los ejemplos más tradicionales de esta técnica encontraremos desde rostros en una multitud o ladrillos en una pared, hasta una línea formada por ruedas de bicicletas en el mismo ángulo.

Una vez que aprendemos a manejar esta técnica podremos dar una sensación de tamaño o de cantidad que en realidad existe en el momento de la captura pero que se logra perfectamente al llenar la escena con la reiteración de elementos. Como bien se puede observar en la foto del ejemplo, en la que puede haber cientos de coches o tan solo una decena de ellos.

Romper los patrones

Otra técnica muy efectiva es la de capturar la ruptura de un patrón repetitivo; por ejemplo, si capturamos cientos de pastillas rojas con una única pastilla blanca.

Muchas veces encontraremos este tipo de patrones rotos en forma natural, en cambio en otras oportunidades deberemos manipular la situación para lograr estas imágenes que tan buen resultado suelen dar.

Durante la experimentación para lograr estas rupturas no dejen de probar cómo resulta si incluimos un objeto contrastante, ya sea en color, forma o textura; o en la eliminación de uno de los objetos.

También deben tener en cuenta el punto focal en estas imágenes, ya que lo más lógico será que el punto de ruptura del patrón ocupe el lugar dominante en la escena.


Las noticias en fotos

Continuando con el tema de la fotografía documental, no podemos omitir el gran aporte que este estilo sigue significando en la información; sobre todo en estos tiempos en que la globalización nos ha acercado a pesar de las distancias y cada uno de nosotros puede ver y conocer lo que otros viven, disfrutan o padecen aún al otro lado del mundo.



Estilos fotográficos: la fotografía documental

Cuando hablamos de estilos fotográficos inevitablemente nos remitimos a aquellos que han dejado huella dentro de los mismos; ya que no hay mejor manera de entender que a través del ejemplo y del camino recorrido por nuestros antecesores.

En el caso de la fotografía documental esto se vuelve una realidad mucho mayor; no olvidemos que al hablar de este estilo nos estamos refiriendo al área de la fotografía en la que las imágenes se utilizan como documentos históricos, lo que inexorablemente nos lleva a recorrer la extensa galería que la historia, y aquellos que estuvieron para retratarla, nos han dejado como legado.

La fotografía documental, inicialmente fue concebida como una forma de incitar a cambios políticos y sociales ante los que se protestaba mostrando la verdadera naturaleza de los hechos; en ese momento se la separaba completamente de otros estilos fotográficos a los que se los reconocía como fuente de placer estético y artístico.

Para decirlo más simple, esta escuela fotográfica fue creada con el fin de utilizar las imágenes como pruebas documentales de una situación histórica particular.

Ejemplo de ello son Lewis Hine y James Van DerZee, dos pioneros de este estilo fotográfico.

Durante mucho tiempo los estudiosos de la fotografía documental la consideraron el extremo opuesto de la fotografía artística, pero entonces apareció Paul Strand y, con su estilo vanguardista, se atrevió a mezclar estas dos escuelas demostrando que todo es posible en el arte fotográfico.


Si bien es cierto que aún hoy existe la marcada tendencia de encasillar a la fotografía documental en un tipo de imágenes chocantes, grotescas e intensas; todo esto con la clara intención de probar una teoría y evocar emociones en el espectador; ejemplo de ello son las fotos documentales que aparecen en periódicos y revistas.

Este estilo ha logrado a través de todos los tiempos mostrar al mundo la verdad al desnudo de la realidad cultural, política y económica de nuestra sociedad; y en esto merece un apartado especial el importante papel que desempeñó la fotografía documental en la concientización de los Estados Unidos durante la Gran Depresión de los años 30, cuando los fotógrafos documentaron la pobreza generalizada que asolaba esas tierras.


Fotógrafa: Rosario Galacho

La fotografía es mi vida y disfruto viendo como mi trabajo mejora y todo el que quiera puede contemplarlo conmigo.
Rosario Galacho - Diseñadora gráfica y fotógrafa

Conocer fotógrafos talentosos es, además de una inmensa alegría, una verdadera fuente de inspiración para nosotros, los que intentamos hacernos día a día en este arte.

Hoy quiero presentarles a una joven fotógrafa que humildemente se declara aficionada a la fotografía, pero que nos ha dejado boquiabiertos con sus fantásticos retratos y la atmósfera tan única y particular que le imprime a sus trabajos.

Rosario es una diseñadora gráfica nacida en Málaga que confiesa un precoz interés por el arte en general hasta que finalmente, y tras otros estudios en el camino, se decidió por el diseño. Su trabajo actual está enfocado específicamente en el diseño de arquitectura efímera en 3D, pero todo su tiempo libre es invertido en su verdadera pasión: la fotografía.


Efecto Luz y Contraste con Photoshop

Este efecto tan llamativo y utilizado por muchos en esta época, se trata del conocido efecto HighLight.

En el inmenso mundo del PS luego dependerá de cada uno de nosotros y de la imagen en cuestión para obtener más y mejores resultados.

Pasos:

1- Abre tu imagen y conviértela en un Objeto Inteligente para preservar el original, para esto haz click con el botón derecho sobre el nombre de la imagen y escoge “Convertir en Objeto inteligente” o Smart Object.

2-
A continuación modificaremos las sombras de la imagen.

3- En este paso crearemos una Nueva capa de ajuste y escogeremos que esta sea Blanco y Negro.

4- Regresamos a la capa de imagen convertida en objeto inteligente y la duplicamos utilizando el atajo de teclado CTRL +J.

5- Finalmente recurriremos a otro truquito para realzar nuestra imagen principal: creamos una nueva capa encima de toda la pila de capas que tenemos y con la herramienta degradado en opción radial trazamos una línea desde el centro de la imagen principal hasta la parte superior de la fotografía.



Prohibido el cante - Flamenco y Fotografía


El mundo del flamenco y todo lo que él transmite, y ha transmitido a lo largo del tiempo siempre ha tenido una especial fascinación para un gran número de fotógrafos; desde el misterio en el que se lo envolvió por años al condenarlo a la marginalidad por su origen en un ámbito económicamente empobrecido, hasta su vertiginoso transcurrir cultural que lo llevara casi un siglo después a instalarse en los más altos lugares del mundo del espectáculo y la moda actual.

En todo este inmenso devenir artístico siempre estuvo presente la fotografía, ya sea desde el propio seno del flamenco registrando cómo las enseñanzas eran transmitidas de generación en generación o bien desde el otro lado de la escena registrando el inconmensurable impacto que sus figuras alcanzaron pública y mediáticamente.

domingo, 4 de julio de 2010

Cómo fotografiar fuegos artificiales

Veamos, pues, si con estos consejitos y un buen rato de prácticas logramos hacernos de nuestro propio archivo de fotos de fuegos de artificio.

1. Elige un buen emplazamiento.

Evita improvisar, y elige una posición libre de obstáculo para una visión plena del sitio donde tendrá lugar la pirotecnia. Evita colocarte contra la dirección del viento, y de ese modo tus fotos no se verán oscurecidas por el humo. También elige la distancia necesaria para que la luz circundante no se convierta en una nube deslumbrante y empañe los resultados. Si usas un trípode, úsalo lo más bajo posible, y siempre mantén la cámara cerca del suelo. Procura ajustar la configuración de tu cámara antes de los fuegos: en la oscuridad y el bullicio te será muy difícil hacerlo.


2. Ajusta tu foco en infinito.

Por regla general te encontrarás lejos del sitio de los fuegos, sin necesidad de un segundo ajuste. Si en algún momento quieres un acercamiento de la pirotecnia, usa el zoom y ajusta el foco en el proceso. Si quieres incluir edificios y gente como parte de la composición, también usa el zoom, pero nunca el autofoco. La mayoría de las cámaras presenta problemas para ajustar el foco en condiciones de baja luminosidad. La solución: usa la apertura más pequeña: de f5.6 a f16. F8 es el mejor valor, pero si usas película ISO 200, tu apuesta segura es f16. No uses flash.

3. Quita los filtros de tus lentes antes de fotografiar.

Si tus lentes tienen sistema de IS (estabilización de la imagen de Canon) o VR (reducción de la vibración de Nikon), apágalos antes. El problema con estos sistemas es que la cámara compensa el foco de la imagen sienta o no vibración, lo que puede emborronar tus imágenes. Un consejo válido para fotografiar fuegos artificiales o cualquier objeto usando un trípode.

4. Realiza el encuadre antes de tomar la foto.

Emplaza la cámara y elige la toma sobre el sitio donde crees que va a ocurrir la acción. Si tu predicción es buena, toma la foto sin mover la cámara. Sólo muévela en el caso que quieras acercamientos o debido a una falla en tus cálculos. Para una imagen más ajustada, clara y definida, que nada toque la cámara.

5. Manten el obturador abierto durante todo el evento.

Fija la exposición en su grado más alto: 30 segundos o más. Si tu cámara no cuenta con esta posibilidad, el uso de un disparador remoto funcionará, o fija la función BULB (B) que mantendrá el obturador abierto en tanto el disparador sea oprimido. La regla para una buena toma de fuegos de artificio es abrir el obturador cuando se escuchan los primeros estallidos y hasta que los fuegos se disipan del todo.

6. Añade atractivo a tus fotos de fuegos artificiales.

Incluye las siluetas de los espectadores en alto contraste, utiliza ángulos novedosos en la toma o aprovecha el reflejo del fuego en el mar y las ventanas de los edificios.

Recuerda que en este tipo de imágenes, como en todas, es fundamental la práctica; por lo tanto aprovecha toda ocasión que tengas para entrenarte en este estilo.


Los primeros fotógrafos en una exposición londinense

Puntos de vista: capturando el siglo XIX es el título de una muestra que se exhibirá en British Library, con una colección de más de 300.000 imágenes provenientes de los tiempo primigenios de la fotografía.

Points of View será inaugurada el 30 de octubre mostrando, entre otros documentos, impresiones sumamente curiosas como un negativo calotipo, realizado con sal sobre papel por su inventor William Henry Fox Talbot entre 1842-43.

Un representante de la British Library dijo que hoy en día la fotografía es un fenómeno ubicuo, pero en su infancia la foto era un largo, elaborado y costoso proceso experimental

Point of View estudia el desarrollo de la fotografía en el Siglo XIX y cómo llegó a convertirse en una parte habitual de la vida cotidiana hasta establecerse como una industria.

Hoy no nos podemos imaginar nuestros días sin fotos, pero su invención abrió todo un nuevo mundo de comunicación visual y expresión personal. La muestra parte del nacimiento de la foto en 1839 hasta su crecimiento como el mercado amateur más popular en el temprano Siglo XX.


La colección de la British Library's Collection incluye valiosas imágenes del archivo Kodak, con documentos con más de 120 años de antigüedad.


Consejos prácticos sobre iluminación, para principiantes

Luz de costado

La luz indirecta, que proviene del costado de las imágenes, aporta consistencia, forma y sombras a los sujetos de tus tomas. Los mejores momentos para usarla: el amanecer o el atardecer.

Sol de frente

El sol tras tus sujetos aporta dramatismo, siluetas contrastadas, formas energéticas. Inténtalo, si bien la buena exposición no es fácil de lograr en esas condiciones.

Sol alto

Cuando el sol está en su posición más alta, y la calidad de su luz es más extrema y potente, crea y trabaja en las sombras, y desde la sombras. Evita sobreexponer las partes brillantes, y trabaja sobre las formas y la gama de grises de las sombras.

Colores más intensos

Aunque seas un enamorado de la luz, e intentes sacar mayor jugo de los días soleados, es importante que recuerdes que los colores más vivos e intensos se obtienen en los días nublados.


Fotografía costumbrista: la belleza que nos rodea

1. Espera.

Aunque un sitio puede parecer desolador en su falta de atractivo, al punto de hacernos preguntar cómo es que la gente vive en él, siempre acaba por ocurrir algo. Sanger reconoce haber tomado alguna de sus mejores fotos tras momentos desalentadores. La regla: esperar. El reto de todo fotógrafo es encontrar ese detalle que hace de un lugar un sitio al que vale la pena ir. Hay que mantenerse alerta y esperar una cierta textura de la luz, una historia, una imagen…

2. Ve al fondo.

Sanger, en un viaje reciente a Argentina, tomó más de 50.000 fotos. En cambio, al visitar el Santo Sepulcro en Jerusalem le pareció que no valía ni una toma, que se trataba de una trampa para turistas. Para Sanger, los turistas sólo buscan la superficie, y la belleza que el fotógrafo debe revelar se halla en el fondo, donde subyacen la verdadera espiritualidad y la belleza. Finalmente tomó una foto del Santo Sepulcro: a un sacerdote que sonreía bajo el marco de antíquisima madera de la puerta, mientras a su espalda se extendían las sombras.

3. Déjate llevar.

Para Sanger, algo esencial para capturar la esencia de un lugar es una holgazanería planificada: darse tiempo para recorrer los lugares y “contactar” con la gente. A Sanger le tomó 4 días encontrar al sitio protagonista de una de sus más célebres fotos en Praga, y le llevó el mismo tiempo lograr una de las visiones más frescas del Partenon de Grecia. Hay más de un punto de vista posible, y esa variedad sólo se descubre merodeando en espera del verdadero rostro de los lugares y de la gente. “Las cosas ocurren cuando extiendes tu presencia. Si vas, ocurrirá. Es a la vez sorprendente y humilde”, asegura Sanger.

4. Rebasa los clichés.

Las puestas de sol sobre el horizonte, los niños sonrientes, los ancianos en las plazas, los monumentos, la arquitectura… La trampa más letal a la que se enfrenta el fotógrado es el cliché, las tomas que todo mundo hace, los ojos con los que todo el mundo mira las cosas habitualmente. ¿La manera de librarse de ellas? Tomar esas fotos apenas se presentan para descartarlas, y después afrontar lugares y gente con una nueva perspectiva. Tal vez toda tu vida has tomado fotos de tus lugares con una visión gastada, y todo lo que necesitas es dar vuelta a la página, y aproximarte desde otro lugar. Elimina las tomas de postal. No veas al puente, sino al abismo que cruza, y pregúntate cómo se verá desde su fondo… Si la niebla se levanta o las nubes se divisan en el horizonte, espera a que vistan a los lugares y jueguen con la luz.

5. Conéctate.

David Sanger reconoce como una parte esencial del trabajo de fotógrafo la pertenencia a asociaciones, que no sólo abren la perspectiva del mercado, sino que además se convierten en una forma de retroalimentación y coraje. ¿Quieres que tu lugar y las imágenes que has logrado de él adquieran una cierta valía? Sube tus fotos, participa de foros, únete a agrupaciones profesionales o no, comparte tu trabajo, ábrete a la crítica.. Lo local es un valor imperecedero en un mercado que cada vez tiende más a la uniformidad, y los fotógrafos tienen en su mundo inmediato una cantera invaluable para explotar esas visiones de lo cotidiano.


Cómo fotografiar con luz de sol directa

Cuando de experimentación hablamos nada como salir cámara en mano a realizar imágenes jugueteando con la luz del sol. La mejor fuente lumínica que todo fotógrafo puede desear está a nuestro alcance y es tan económica y generosa como la naturaleza misma. Solo falta que, como en todas las cosas, sepamos aprovecharla a nuestro favor; incluso en lo que a fotografía se refiere.

Una foto con la luz del sol directa en el cuadro produce imágenes de alto grado de saturación, fuerte contraste de colores y una atractiva alteración de la profundidad de campo. Es uno de los efectos más tradicionales de la fotografía, pero no siempre es tan fácil de conseguir.

Esta es una guía para lograrlo sin esfuerzo ni deslumbramientos. Sigue unos simples pasos y aprende cómo fotografiar al sol sin perder la partida.

Puntos básicos:

1. Desde las sombras.

Si fotografías a personas u objetos ligeros, llévalos contigo a una sombra. La luz del sol delianeará sus siluetas sin provocarte una sobresaturación ni quemar el grano.

2. Crea tu sombra.

Si el objeto no puede moverse (en el caso de, por ejemplo, el macro de una flor), haz tu la sombra. De más está decir que una muy apropiada puede ser incluso tu propia sombra, la de alguna otra persona, la de una sombrilla o incluso la de tus manos ahuecadas.

3. Rellena con flash.

Para evitar que personas u objetos queden excesivamente a oscuras, rellena con la luz del flash. El efecto será de una suave delineación de los rasgos y los detalles. Es una técnica que requiere de aprendizaje y paciencia, pero los resultados son de una belleza magnífica.

4. Usa un reflector.

Puede tratarse de una lámpara de pie o de una pantalla de papel alumino que reflecte la luz del sol, suavizando el contraluz. El efecto es el mismo que con el flash, pero gozas de un mayor control de los resultados.

5. Experimenta perpectivas.

Fotografiar a contraluz, con el sol de fondo, te permite una gran variedad de ángulos, tomas y enfoques: desde las panorámicas de la toma del sol hasta las contrapicadas de una flor con el cielo como fondo. No te conformes con un sólo emplazamiento. Deja que la luz del sol se exprese.

6. Usa una capucha.

Si tu lente refulge en exceso o el grano se quema invariablemente al tomar la luz del sol directamente, emplea una capucha para tus lentes. Matizan la luz, eliminan los reflejos y la sobresaturación. Son muy sencillas de fabricar, si no cuentas con una. En este mismo sitio hemos dado originales y económicas ideas para hacerlas en casa.

7. Emplea filtros.

Si quieres un cielo azul impoluto, tu alternativa son los filtros, ya sean los polarizados o los de densidad neutra. De no contar con ellos, puede experimentar con los tiempos de disparo y las aperturas del diafragma.


8. Juega con el balance de blancos.

Las cámaras digitales te permiten graduar el balance de blancos para lograr diferentes efectos al tomar la luz del sol, utilízalo.


9. Mide la exposición
.

Si cuentas con tiempo, y manejas el uso del historigrama en tu cámara réflex digital, puedes medir la intensidad luminosa alrededor de tu punto focal y adecuar la configuración de la cámara. Medir la exposición en las áreas de media sombra también es una valiosa ayuda.


10. Elije la mejor hora del día
.

El amanecer y el atardecer ofrecen las mejores posibilidades expresivas de la luz del sol, además de que su luminosidad es más suave y manejable que la intensa luz del mediodía.


Buenos ejemplos de fotografía de paisajes



Cómo realizar tu propia Galería de Arte

¿Tienes fotografías de gran tamaño y deseas exhibirlas? ¿No logras decidir cuáles son tus favoritas? Ahora la decisión es mucho más fácil gracias a los programas para realizar galerías que nos ayudan a combinar múltiples fotos de gran tamaño en un solo mural artístico para mostrarlo en Internet.

Por ejemplo, puedes utilizar un programa como el DEEP ZOOM, de SILVER LIGHT. Se trata de un programa muy sencillo y útil para mostrar fotografías de gran tamaño y lo único que necesitamos es tener instalado el programa DEEP ZOOM, que puede descargarse de manera gratuita.

Luego debes iniciar un proyecto, darle un nombre a elección y dar clic en OK. Luego debes dirigirte a tu carpeta de imágenes en la que guardas las fotos que deseas ubicar en la galería que vas a realizar. Una vez abierta esta carpeta, debes arrastrar cada foto hasta la ventana de DEEP ZOOM y la importación de las imágenes comenzará automáticamente. Recuerda que cuanto mayor sea el tamaño de las fotografías, mejor será el resultado final de la galería.

Una vez transferidas las imágenes, debes ir a la sección COMPOSE. En ella, lo que debes hacer es arrastrar las fotos y disponerlas en un espacio virtual que nos va a permitir administrar en qué lugar va a ir cada una. Además podemos agrandar o achicar cada foto, y superponerlas en cierta medida con las demás, para crear una disposición más interesante. Así, en cuestión de unos pocos minutos podrás tener armada una galería sumamente rica desde el punto de vista visual.


"Gravedad cero" en las fotos de Denis Darzacq

Podemos rastrear su trabajo hacia atrás en el tiempo, a fines de los años ochenta, cuando egresó como licenciado del ENSAD (Escuela Nacional Superior de las Artes Decorativas).y realizó varios clips musicales para Rita Mitsouko, Etienne Daho, Lio, y distintos grupos de POP francés.
Entre los años 1989 y 2004 colabora con el periódico “Libération”, realiza catálogos de moda para Agnes B, afiches de espectáculos para la ciudad de la Música en París y colabora regularmente con numerosas revistas, incluidas Télérama, el Expreso, los Inrockuptibles, Le Monde, etc. y también realizó un pedido público de la Dirección de las Artes Plásticas del Ministerio de Cultura y Comunicación, “los Jóvenes en el Año 2000” destinada al Fondo Nacional de Arte Contemporáneo. Premio Altadis 2000.

Entre 2004 y 2006 realiza « Bobigny centre ville » para el Fondo Nacional de Arte Contemporáneo y una exposición en el RIP de Arles en 2005. Al año siguiente realiza la serie “Fotografía de clase” a pedido del FRAC Alta Normandía.

El año 2007 resulta muy favorable para Denis, pues es galardonado con el primer premio “Stories” del World Press Photo 2007 en la categoría Artes y Entretenimiento, realiza la serie pública “Euroméditérannée”. Y participa de un Proyecto fotográfico en el marco de la Escuela de la crítica, ciudad de Thouars. Al año siguiente edita su libro de fotos LA CHUTE, tomadas en el Centro Popidou y también “Images de campus - Campus d’image”

En el año 2009 recibió una invitación a Australia, para dar un ciclo de conferencias en Sdney y Canberra, en la exposición que se realizó en el Centro Australiano de Fotografía de esas ciudades.


Se inicia el ciclo Fotohistoria con un homenaje a los Hermanos Andrade

Se inicia el ciclo FOTOHISTORIA con un homenaje a los hermanos Andrade (José y Manuel), impresores de la Imprenta Dardo, antiguamente llamada Imprenta Sur.

Esta actividad organizada por el fotógrafo Pepe Ponce a través de la Vocalía de Fotografía del Ateneo de Málaga “destaca la importancia de la fotografía para mostrar y recrear la vida y obra de destacados protagonistas de la cultura malagueña”.

Para recopilar todo el material gráfico ha sido necesaria una intensa investigación y búsqueda en diferentes archivos privados y públicos y de los propios autores que ha servido para recomponer un álbum de fotografías con todos los protagonistas de este ciclo.

Esta “Memoria Impresa” está acompañada de entrevistas, fotografías y un audiovisual con información amena y didáctica que ayudará, sin duda, a conocer a todos los personajes seleccionados en este ciclo, su obra, su entorno de amigos y sus colaboradores.


Concurso Fotográfico de Mahou

Auspiciado por PHotoEspaña y Mahou se nos invita a capturar lo mejor de Madrid y de su relación con la cerveza Mahou Cinco Estrellas. El concurso apunta a halla lo más positivo y lo más optimista de esta ciudad cinco estrellas y, por supuesto, de esta marca de cerveza. Estas son las bases del concurso:

Toda persona física puede tomar parte con una (¡Y sólo una!) Fotografía de un tamaño máximo de 1000×600 píxeles a 72 dpi (no deben pesar más de 230 KB) sobre el tema “Madrid cinco estrellas”. Además de cumplir con estos requisitos, las imágenes no deben herir los sentimientos ni la sensibilidad de ninguna persona a causa de su contenido, por ejemplo mensajes pornográficos, xenófobos, ni en contra de los derechos humanos.

El jurado, integrado por representantes de Mahou y de PHotoEspaña, otorgará dos premios. El primero consistirá en EUR 600 y 12 cajones de cerveza, y el segundo será de € 400 en publicaciones PHotoEspaña y seis cajas de cerveza solamente. Su decisión ha de ser inapelable y, si así lo consideran, alguno de los premios podría ser dejado “desierto”, es decir, no se otorgaría a nadie en caso de que el nivel de las fotografías así lo amerite.


Momentos únicos de National Geographic

La gran mayoría de los que disfrutamos del arte fotográfico recorremos periódicamente la página del National Geographic en busca de estas joyas insuperables. Todos sabemos de la relevancia de este sitio y de la gran cantidad de fotógrafos de altísimo nivel que trabajan en él.

Hoy a modo de inspiración queremos dejarte una muestra de lo que según la gente de Smashing Hub son los 27 momentos inolvidables de la fotografía de National Geographic.

Aunque seguramente encontraremos muchos más que estos si nos ponemos a recorrer sus extensas galerías, nunca está de más extraer algunas y mostrarlas a aquellos que tal vez aún no se asoman periódicamente al sitio para admirar el magnífico trabajo que realizan los fotógrafos de uno de los sitios más importantes de fotografía a nivel mundial.


Mariano Vargas y sus damas renacentistas

Según los críticos de arte, este afamado fotógrafo nacido en Algeciras en 1964 camina por el mundo siempre atento a la belleza, en todo momento y lugar, de modo de cumplir con el dicho de que “la belleza está en el ojo del que la ve”. Y del que la fotografía, tal como es el caso. Hoy deseo adentrarme un poco en la vida y la obra de este profesional de la fotografía tan particular.

¿Por qué lo llamo así, usando la expresión “tan particular”? Porque según podríamos decir, Mariano Vargas es la valiosa fusión de un fotógrafo con un excelente artista plástico. Sucede que su pasado, lleno de referencias a las distintas artes, se fusiona con su presente de fotógrafo para brindarnos un producto de extremada belleza pictórica que se percibe especialmente en la riqueza de sus “madonnas”.

Quienes viven en la zona de Murcia, seguramente han podido visitar la exposición “Soltanto madonne” (Solamente mujeres) que tiene lugar desde el 20 de mayo de 2010 en la Galería LA AURORA. La admiración que Mariano Vargas siente por la mujer y el cuerpo femenino lo ha llevado a crear esta serie de retratos de mujeres al mejor estilo del Renacimiento, pero muchos más “modernas”, ya que se las ve bastante más delgadas.

Con el mismo título, Mariano ha editado un libro de imágenes, que ha sido impreso en estucado Creator Gala (especial ediciones de arte) de 170 gr., de una tamaño de 30×25 c, que contiene 100 páginas y cuesta alrededor de 37 euros en el mercado Europeo. Hasta el momento, tanto la exposición como la venta de su libro han sido un verdadero éxito.


Incidentes entre la policía y un reportero fotográfico en Reino Unido

En Gran Bretaña un joven adolescente, que en sus horas libres trabaja como reportero gráfico independiente, fue detenido por la policía el sábado pasado mientras cubría un evento que se desarrollaba en la vía pública en conmemoración del Día de las Fuerzas Armadas. Jules Mattsson, de 16 años, fue enfrentado bruscamente por un oficial de la policía y obligado a detenerse en su labor, además de requerirle sus datos personales. En este forcejeo y discusión de los motivos por los que se lo increpaba, el joven logró capturar el audio con su teléfono celular, pero luego fue detenido hasta que terminó el Desfile que se disponía a cubrir con su cámara fotográfica.

Uno de los argumentos esgrimidos por el oficial de policía fue que el joven no podía retratar a los cadetes por tratarse de niños y ser él mismo, además, un menor de edad, para lo que le exigían un permiso especial de sus padres para estar allí tomando las imágenes del desfile.

Si bien el joven Mattsson es apenas un adolescente conocía perfectamente sus derechos por lo que entró en un acalorado debate jurídico con los oficiales, hasta que fue empujado y detenido por infracción a la paz. Ahora el reportero gráfico está considerando tomar acciones legales contra el MET, organismo que ya cuenta con varias críticas por su mano dura hacia los fotógrafos.

Como dijimos anteriormente el principal argumento para detener a Jules fue que estaba tomando fotografías de niños pero el joven periodista tenía conocimiento de que bajo las leyes que garantizan la libertad de prensa en Gran Bretaña, no hay restricción alguna en cuanto a la fotografía de niños en espacios públicos; fue entonces cuando los oficiales comienzan a afirmar que es ilegal tomar imágenes de miembros del ejército y policías. A lo que el joven también tiene como respuesta que en la misma legislación no hay ninguna ley que impida que se fotografíe a la policía o las fuerzas armadas en un espacio público. Si bien hay una nueva legislación para proteger las identidades de algunos policías y oficiales, esto sólo se aplica a aquellos que trabajan encubiertos o en los casos en que un oficial realmente considere que el fotógrafo está realizando una recopilación de datos con fines terroristas.

Finalmente y ante tanta argumentación certera por parte de Jules Mattsson, y ante su insistencia respecto de que no se estaba respetando las leyes para detenerlo, uno de los oficiales respondió claramente que él no necesitaba de ninguna ley para hacerlo.

Este incidente se dio con un día de diferencia a la resolución legal de otro muy similar, en el que las fuerzas policiales se vieron obligadas a indemnizar a dos reporteros gráficos después de haberles retenido su material fotográfico en tanto estos cubrían una protesta frente a la embajada griega; estos hechos se habían producido en diciembre de 2008.

Por el momento un portavoz de la Policía Metropolitana dijo que dentro del MET no se tenía conocimiento sobre este último incidente protagonizado por el joven Mattsson, y este último se niega a hacer declaraciones públicas más allá del vídeo que se muestra en la nota, con lo que se deduce que iniciará acciones legales contra esta fuerza policial.